|
|
Wednesday, May 13th, 2009
|
|
|
... - выставка с таким названием открылась в конце апреля в корпусе Бенуа Русского музея. В сущности, это собрание из более чем шестисот предметов искусства, как станковой портретной живописи, так и текстиля, предметов обихода и мебели. Дворянский быт старой России показан здесь полно и точно. И это несмотря на ограниченность экспозиционного пространства. Кстати, любопытна и весьма удачна задумка авторов каждую отдельно взятую эпоху представить сквозь призму характерных примет времени: так, деталь XVIII-го века - причёска, или, если точнее - парики, фасоны которых, и у господ, и у дам, в каждом десятилетии различны. Первая треть века XIX-го - акварельные портреты небольшого формата, передающие уютную, камерную обстановку дворянского быта пушкинской поры. Середина века, приход стиля "историзм", и мы видим характерную салонную живопись, "интерьерные" и портретные акварели Гау, Соколова, и Садовникова. За историзмом, следует эклектика и здесь всё дело в мелочах и тонкостях. И, вот, деталь! - портбукет! Сейчас мы даже не знаем, что это такое. А это изящная оформленная подставка в виде своеобразной вазочки, крепившаяся либо к дамскому бальному платью, либо просто поддерживалась в руках светской красавицы. -Такой флакончик для фиалки или миниатюрной розы, изготовленный изящно и часто с применением драгоценных металлов и камней. Редко какая дама могла появиться на приёме в конце XIX начале XX века без портбукета. Эпоха рубежа веков ознаменовалась стилем модерн. И он пронизывал буквально всё: от архитектуры, интерьера, одежды, до конфетных обёрток и дверных ручек! В моде странные вещи, растительные орнаменты, плавные изгибы линий, графичность образов! А что может лучше показать модерн в закрытом пространстве, ограниченном по площади, чем рекламный плакат, выполненный в технике хромолитографии? - Мыло "Леда", А.Ралле и Ко" - 1910-е гг. Папиросы товарищества "Лафермъ"... Даже просто прочитав текст, попадаешь на сто лет назад. А ведь перед тобой ещё и визуальные образы! Увы, модерн прервался с революционными событиями 1917-го года. Эпоха НЭПа, оживила модный и художественный рынки, но, увы, уже не в том блеске, какой был ещё десятилетие назад. Конечно, и здесь есть свои великие имена: В.Лебедев и его черно-белая "человеческая" графика! Есть и Н.Тырса, и Эфрос, и конструктивистские платья Л.Поповой, однако, это уже не то... Что-то ушло...
Но вернемся, собственно, к выставке. XVIII век открывает портрет М.Строгановой кисти Р.Никитина. Петровская эпоха с её стремлением навязать русскому человеку новый, европейский стиль жизни, в этом портрете, как ни странно, мало ощутима. Дама облачена в русское платье, а головной убор сильно напоминает кокошник. Но, не далее, как рядом, пример совсем иного типажа - И.Никитин изобразил молодого человека в зелёном кафтане явно европейской работы.
Великолепны предметы одежды, демонстрируемые на выставке - это не костюм, не быт и не повседневность, но искусство, как бы пафосно это ни звучало. Вот, к примеру, кафтаны и камзолы французского шитья 1770-х - 1800-х гг. Каждая деталь поражает воображение: расшитые цветочным узором, насыщенные мелкими фрагментами, и тем не менее это не создает ощущения пресыщенности и пошлости, как часто возникает сегодня.
Первая четверть века XIX-го. - Камерный, интимный, портрет. Господство акварели. Два имени невозможно не упомянуть: А.Брюллов, и П.Соколов. Образы, созданные ими, проникновенны, милы и правдивы. Был ещё и К.Гампельн, творивший, в общем, в том же жанре камерного, часто семейного, портрета, но ему больше удавались графические работы, выполненные на бумаге итальянским карандашом и сангиной (например, портрет К.Булгакова). Акварель получалась у него неживой и нарочито декоративной. Известнейшая работа Г.Гагарина "Бал у княгини М.Барятинской», 1834, яркое отражение придворной жизни столицы империи николаевской эпохи. В акварелях В.Гау бросается в глаза невероятное владение этой сложной живописно-графической техникой, в частности, виртуозно передана фактура самых разных поверхностей. Его портреты наполнены светом и воздухом. Из любопытных примет времени - портрет графа Павла Петровича Шувалова, 1848-го года. На бумаге изображён мальчик лет 5-ти, в девичьем платьице. В XIX веке детей вне зависимости от их пола до определённого возраста рядили в женское платье.
1850-1870-е гг. - расцвет "историзма" и русского дворянского интерьера. Это наглядно демонстрирует серия альбомных акварелей "Виды Юсуповского дворца на Мойке в Петербурге". Такие интерьеры больше не создавали никогда! Вообще, имперская эпоха - период невероятного блеска русской аристократии, высочайшего вкуса и чувства стиля. Сейчас это ушло. Состоятельные люди уже не могут создать что-то подобное тому, что делалось тогда. А ведь денег у нынешних богачей не меньше. В чем же причина? - в отсутствии всё того же вкуса. Пошлость часто принимают за богатство, роскошь и красоту, а ведь это далеко не так!
Ещё одно поразительное явления рубежа XIX-XX веков - "русский стиль". Вернее, сказать, "псевдорусский", но мы будем называть его в первой редакции. В определённой мере, это синтез возросшего интереса к исконно русской культуре допетровской поры и ультра-нового стиля модерн! Результат этого слияния потрясающий! Про Абрамцевские мастерские знают все. Интерьеры в русском стиле становятся чрезвычайно популярными. Особенно часто в нём оформляют столовые - дубовые столы, лавки, буфеты... На этой выставке особенно понравилось необычное деревянное кресло, выполненное именно в описываемом стиле - подлокотники рукой мастера-резчика превратились в топорики, а спинка декорирована в виде лошадиной упряжи. В задней части сиденья, искусно вырезаны извозчичьи варежки, как бы случайно забытые. Такое вот чудо-кресло! Интереснейший феномен «русского стиля» - придворные, бальные платья русской аристократии – соединение европейской моды и народных традиций: вышивки и кокошника! Здесь есть яркий пример: придворное платье нежно персикового цвета, изумительной работы.
Модерн. Афиша-хромолитография Е.Киселёвой, напечатанная Голике-Вильборгом в Петербурге, датированная 1903-м годом - "Бал цветов". Плавные изгибы линий, цветы, пастельные тона, изящество и декадентство. Ещё одно ярчайшее проявление модерна в Петербурге - витражи. На выставке в Бенуа их представлено четыре. Кроме того, фарфор - императорского завода и частных фабрик.
Многое пропускаю...
Последнее, о чем хотелось бы сказать, портрет артистки А.Тарасовой, кисти А.Герасимова, 1939-го года. В нём чувствуется какая-то странная связь новой эпохи и старых образов.
И, наконец, экспозиция "Картина, стиль, мода" - наверное, самая широкая панорама того, что было в Русском музее за последнее время. Ведь это не выставка костюма, или мебели, нет! - это представление о прошлом сквозь то лучшее, что было создано художниками, и всеми, кто неравнодушен к красоте.
   
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
|
Начальный и очень кратковременный этап советской власти ознаменовался всеобщей свободой: т.е. свобода была везде и во всём, не смотря на объявленную "диктатуру пролетариата". Собственно, даже блудница чуть ли не стала союзником советской власти в деле всеобщей вседозволенности, свободы; свободы не "для...", а "от...". Однако, столь же бесспорно, что, как и любое явление, свобода имела тогда две (а, возможно, и более) сторон: плохую и хорошую. К последней, в частности, относилась и свобода творческого самовыражения. Именно в это время появлялись и исчезали самые разнообразные художественные объединения, словом, это была эпоха НЭПа: а так или иначе, она затронула не только экономику, но и самые разные стороны жизни. И вот, наступает 1926 год, НЭП ещё не свернули, свободы становилось меньше, но она ещё была, именно 1926-й стал годом рождения Объединения "Круг художников". В него вошли многие талантливые живописцы того времени: это и Самохвалов, и Пакулин, и Пахомов; Купервассер и Русаков...
Сегодня мы имеем возможность увидеть то, что было создано тогда снова - Русский музей представляет обширную выставку мастеров этого объединения.
Любопытна реакция зрителей на увиденное: сам был свидетелем двух совершенно противоположных мнений о вышеперечисленных мастерах, их произведениях и, разумеется, о самой экспозиции. Один из любителей искусства был просто вне себя от негодования и непрерывно возмущался, каких же "низких", "непорядочных", и "не имеющих чести" художников, здесь, понимаете ли, представили! Суть его претензий сводилась к отсутствию на полотнах художников "аристократов". Мол, одни работницы, да "куууулхозники" везде, и посмотреть-то порядочному человеку не на кого. А ведь, художник должен быть "выше" эпохи, своего времени... Всё это абсолютно несостоятельно. Сколь угодно долго можно рассуждать о том, что творец должен быть "над временем, над реальностью", НО! Он всегда находится В своей эпохе, отражает её. Время, несомненно, влияет на искусство, но и искусство влияет на реальную жизнь. Это всегда взаимно! Никакого другого подхода здесь быть не может! Не даром, даже в декларации "Круга художников" чёрным по белому было написано: "Стремиться к установлению в живописи и скульптуре стиля эпохи..." И каких аристократов, простите меня, должен был изображать Пахомов или Пакулин!?! Эпоха строек, первой пятилетки, зарождавшегося комсомола и спортивных праздников, изначально предполагала других "аристократов", других героев. И, те же "девушки Метростроя" Самохвалова - они аристократки своей эпохи! Они безумно привлекательны, изящны, одновременно с этим экспрессивны, динамичны, романтичны, даже сексуальны! И это почувствует каждый, кто увидит эти акварели.
Тогда не в моде были детали - ни в чем, тогда старались уловить главное, в ущерб частностям! Форма, в ущерб линии, цвет в ущерб оттенку! Всё это свойственно им, и в этом их самобытность, индивидуальность - самобытность художников, которые очень многое взяли у постимпрессионистов, у того же Сезанна, или русских художников старшего поколения, например, у Петрова-Водкина, или авангардиста всех времён - Малевича.
"Круг художников" - безумно интересное объединение ещё и потому, что оно находилось на стыке двух переломных эпох в искусстве: раннего авангарда и соцреализма. Они воспевали стройки, и первомай, были в контексте своей эпохи, но всё это не мешало им свободно самовыражаться. 1932 год стал последним в истории «Круга художников», в том же году решением Партии был создан Союз художников, и все направления либо влились в генеральную линию Партии, либо…, но не будем о грустном.
Второе мнение, выраженное другим зрителем, заключалось в одном слове: "Оглушительно!" Я присоединяюсь к последнему. Это, действительно, так! Сходите, посмотрите, и убедитесь.
    
|
|
Comments: Read 8 or Add Your Own.
|
|
|
... Русская жанровая живопись сер.XIX - нач.XX века - новая экспозиция Русского музея, сформированная из частных собраний Москвы и Петербурга. Жанровая живопись очень интересное направление в искусстве, особенно в русском искусстве, часто вдохновлявшемся литературными произведениями. Условно, жанровую живопись можно разделить на три раздела, часто тесно сплетенных друг с другом, и образующих некий симбиоз: реалистическое или критическое направление, сентиментально-идиллическое и салонно-академическое. Первое наименее распространено, последнее - наиболее. Но, опять же, оговорюсь - деление весьма условное и взаимопроникновение здесь не редкость, а закономерность.
Довольно часто в жанровой живописи присутствует элемент сатиры и юмора; это можно проследить, например, в картине Соломаткина "Грибники". Несколько "агитационным" и, наверное, на все времена актуальный воспринимается холст Карнеева "Зарок не пить", сюжет которого строится вокруг крестьянина, вдребезге разбивающего склянку с водкой. В живописном отношении, довольно слабая работа, но задумка композиции любопытна. С юмором написана и картина Сверчкова "К зубодеру. (Подвезти?)". Художник, продолжает "обыгрывать" привычную для себя тему дороги, пути; кибитка с путниками останавливается у бредущего куда-то (к зубодеру))) человека; вероятно ездоки спрашивают у него - не подвезти ли? ;-)
Салонное направление, неотягощенное глубоким психологизмом, но технически виртуозно исполненное, представлено всеми Маковскими (затрудняюсь назвать их точное число), Бакаловичем - великолепна его работа 1914 года - "Послание", изображающая римлянку (или гречанку) в античном интерьере, читающей послание супруга с войны... (невольно напрашивается параллель с годом написания картины - 1914 - т.е. началом Первой мировой). За кажущимся спокойствием ощущается внутренняя напряжённость момента. Близка и одновременно противоположна холсту Бакаловича картина Сухоровского "Женщина с попугаем" - это уже "чистое" салонно-академическое направление жанровой живописи - полуобнаженная молодая женщина непринужденно лежит на диване лицом к сидящему неподалеку, огромных размеров, попугаю.
Практически случайно посмотрел выставку "Народное искусство Каргополья". Случайно потому, что не собирался её смотреть, но, к счастью, увидел всё это богатство. Потрясла иконопись - традиции каргопольской иконописной манеры восходят к Новгородской школе, с последующим влияние Ростовской и Московской школ; безумно интересная тематика. Вообще, в последнее время замечаю за собой особый интерес к иконам как к произведениям искусства, а ведь в Русском музее богатейшие фонды иконописи, и экспонируемая часть икон - одна сотая, если не тысячная, находящихся в фондах. Было бы замечательно открыть филиал Русского, посвященный исключительно древнерусскому искусству, где среди прочего была бы широко представлена и иконопись.
В полной мере разделяю и понимаю восхищение Матисса и Пикассо русской иконой - это действительно шедевры и основы основ русского искусства. Кстати, наверное, впервые осознал значение иконописи, прочитав "Черные доски" и "Письма из Русского музея" замечательного писателя Владимира Алексеевича Солоухина. Он настолько доступно, но одновременно очень точно и глубоко рассказывает в своих произведениях о древнерусском искусстве, что его начинаешь понимать и любить.
P.S. Приобрёл альбом "Русский футуризм", рад безумно.
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
Sunday, February 25th, 2007
|
|
|
В Михайловском замке в ближайшие три месяца выставка "Рисунок и акварель в России. Вторая половина XIX века." О первых двух экспозициях графики, посвящённых XVIII и первой половине XIX века, я писал ранее. Нынешняя не менее интересна, чем предыдущие, и несомненно уникальна. Представленные произведения не только передают атмосферу своего времени, но и открывают широкому зрителю художника с иной, новой стороны - как мастера рисунка, основы всего изобразительного искусства.
Лично меня поразила графика И.Шишкина - так виртуозно он передаёт тончайшие градации света, тени, моделирует форму. Композиция получается исключительно цельной, законченной, единой. Его работы насыщенны воздухом и светом. Некоторые, исполненные пером и тушью, чем-то напоминают гравюру, например, "Аллея Летнего сада" (1869).
Не могу не отметить акварели Альб.Н.Бенуа, мастерское владение художником этой техникой вызывает восторг.
Широко представлена графика И.Репина - от портрета до жанровых сценок. В удивительно динамичном наброске "Невский проспект" (1887) видно, что за почти полтора века, главная магистраль Петербурга почти не изменилась, разве что люди одеты иначе, да конку заменил троллейбус.
Экспонируются на выставке и несколько акварельных зарисовок дворцовых интерьеров, написанных Премацци, Садовниковым, Редковским...
Всех имён не перечислишь, тем более, что многие не слишком известны широкой публике. Но увидеть собственными глазами работы Крамского, Бенуа, Соколова, Репина, Левитана, Серова, Васильева и многих других стоит, очень даже стоит!
    
О другой выставке напишу буквально пару строк. Это масштабная, но, увы, как часто бывает в последнее время в Эрмитаже, не лучшим образом организованная экспозиция "Александр Великий. Путь на Восток." Цель благая - показать, какое огромное влияние на культуру разных стран оказала греческая культура и походы Александра Македонского. Но её воплощение... Рассчитанная на привлечение самого широкого круга зрителей, выставка будет понятна лишь узкому кругу специалистов-историков, для остальных же останется набором красивых и "не очень" предметов, малопонятного назначения, с совершенно невразумительными аннотациями. У меня на беглый осмотр всей выставки ушло больше трёх часов. Понятно, что, человек, пришедший в Эрмитаж ознакомиться с коллекциями в целом, ни в коем случае, не сможет уделить столько времени отдельной выставке об Александре, а значит, для него она пройдёт впустую. И даже легендарная камея Гонзага, III века до н.э., с парным портретом Птолемея II и Арсинои, одно из известнейших произведений античного искусства работы неизвестного мастера, могут остаться незамеченными для такого зрителя. Камея Гонзага - уникальна всем: и художественным совершенством, и самим камнем, и тем, что на создание камеи подобного размера могут уйти порядка 15 лет! А какое невероятное количество владельцев сменил этот античный шедевр! В XVI веке камея принадлежала Изабелле д'Эсте, супруге герцога Гонзага, отсюда и её название. В Россию раритет попал в 1815 году; императору Александру I-му камею преподнесла первая жена Наполеона, императрица Жозефина. С тех пор, резной камень хранится в Эрмитаже. Простите, увлёкся, и вместо пары строк написал слишком много.
|
|
Comments: Read 4 or Add Your Own.
|
|
Saturday, January 6th, 2007
|
|
|
В Музее связи нынче выставка мэйл-арта Флоренских. Искусство почтовых отправлений открыл для себя всего пару лет назад, а вот творчество Саши Флоренского интересовало меня давно. Отдельный ему респект за создание журнала нового типа, «журнала учёта вечных ценностей» (ЖУВЦ) "Адреса Петербурга". Даже сейчас, когда Александр уже больше двух лет не является куратором и главным художником издания, "Адреса" сохранили свой неповторимый стиль. Такой журнал приятно взять в руки, посмотреть и почитать.
Да, что-то я отвлёкся. Так, вот: собственно мэйл-арт Флоренских - это авторские фото-открытки Ольги и конверты Александра. Главная составляющая здесь, пожалуй, эмоция, впечатление от увиденного фрагмента, детали. Словом: от частного к целому - именно так, вопреки всему! Мимолётное состояние, желание донести его в живой, непосредственной форме и есть функция арт-объекта Флоренских в открытках и конвертах. Но что бы они делали без букв, текста, шрифта??? - всё это органично сливается с изображением в единое произведение. И, поскольку мэйл-арт - это искусство ПОЧТОВЫХ отправлений, то и все атрибуты связи (марки, штемпели, наклейки...) так же являются неотъемлемой частью маленьких шедевров. У Ольги текст присутствует в самом фотоизображении, и композиции получаются порой самые невероятные, вроде тротуара с жёлтыми осенними листьями, на одном из которых маркером написан питерский адрес получателя открытки. Александр - рисует. Графика и живопись соседствуют и соединяются в его работах. "Наивные" картинки, со стрелочками, отходящими к текстовым пояснениям чуть ли не от каждого изображённого предмета, забавны, изящны, но отнюдь не просты, как это могло бы показаться. Что до самих конвертов, то они разные - фиолетовые, красные, серые, светло-коричневые и бледно-голубые. Такое многоцветье усиливает эффект. И..., в заключение, - воспринимать мэйл-арт-объекты Флоренских в целом гораздо интереснее, чем по отдельности: ведь каждый из них дополняет предыдущий. Цельность восприятия... она важна.
P.S. А вам бы хотелось получить такое послание?
  
  
|
|
Comments: Read 6 or Add Your Own.
|
|
Thursday, January 4th, 2007
|
|
|
Возможно ли зимой попасть под летний ливень или осенний листопад, а потом снова вернуться и пройтись по мокрому снегу, под которым ещё шуршат осенние листья? - оказывается, да! И для этого даже не нужно выезжать из Петербурга, достаточно прийти на выставку "Времена года", что в корпусе Бенуа Русского музея. Продолжая традицию крупных проектов, охватывающих целые жанры и стили русского изобразительного искусства ("Портрет в России. XX век.", "Авангард в России", "Коллаж..."), устроители этой масштабной экспозиции представили нам пейзаж во всей его полноте и более чем двухвековом развитии. И, действительно, за два столетия этот жанр претерпел в нашем искусстве некоторые изменения: от наивных сельских видов Н.Крылова начала XIX века до пейзажей И.Левитана, В.Серова, К. Малевича и Н.Гончаровой. Интересно, что экспозиция сформирована не по стилистическим особенностям произведений, а по временам года: зиму сменяет весна, осень следует за летом, и каждое из времён года мы видим глазами разных мастеров.
"Зимой" В.Серова - лиричный пейзаж в спокойных тонах, монохромный; пожалуй, цвет в нём вообще вторичен, динамика медленно бегущей лошади, со скрючившимся от холода возницей, переходит в неподвижность всего остального, в сплошную белизну снега, и бороздку тёплой грязи, оставленной полозьями старых саней. Совсем иное впечатление остаётся от картины И.Грабаря с похожим названием "Зима" (1902) - лучезарные, искрящиеся краски, невероятное количество света, радости, наслаждения самой жизнью, сочетание тёплых и холодных тонов - всё это скорее напоминает весну, чем зиму, и всё-таки перед нами зима! Деревья оживают и "идут вперёд", на зрителя, ... эффект достигается с помощью "агрессивной" перспективы падающей тени, усиленной зеркальным отражением в самих стволах деревьев, в этом полусказочном лесу. Его же "Зимний вечер" (1903) вызывает недоумение своим названием: какой же зимний вечер, когда кругом яркое и, самое что ни на есть дневное, солнце?!?
"Баржи на Фонтанке" И.Грабовского чем-то напомнили знаменитые петербургские пейзажи М.Добужинского и А. Остроумовой-Лебедевой. Во всяком случае, особая живописная серость, так характерная порой для Петербурга, передана виртуозно.
Салонный реализм Ю.Клевера соседствует с величаво-спокойными по манере исполнения пейзажами Н.Фокина. А полное отсутствие цвета бросается в глаза в непонятной, серой и скучной, чёрно-белой зиме И.Шишкина.
Работа В.Лебедева "Городской пейзаж. Зима." поражает своей безмятежностью, поэтому невозможно представить, что написана она зимой 1941 года, тяжелейшего периода начала войны!
Весна...
В "Марте" И. Грабаря, написанном в 1939 году, ещё властвуют зимние, холодные краски, зелёно-голубые пятна деревьев, белый снег, но едва заметная полоска проталин жёлтой земли и ярко-синее небо, говорят о приходе весны, которая неумолимо спешит вступить в свои права. "Весна" К.Коровина, исполненная в характерной свободной, импрессионистической манере, тоже восхваляет пробуждение природы от зимней спячки, фиолетовые тени на снегу постепенно растапливаются весенним солнышком, ослепительным на таком прозрачном небе. Кстати, любопытно, что почти везде весна - это март. Лишь у М.Башкирцевой это время года можно спутать с летом, слишком много зелени вокруг, и лишь её (зелени) свежесть и изумрудный оттенок заставляют усомниться в том, что перед нами лето.
Ещё один "изумрудный оттенок", мы видим в картине В.Бялыницкого-Бирули "Изумруд весны", написанной в 1915 году. Восхищает не только само произведение, но и точность названия, как нельзя лучше, отражающее, изображённое на полотне. В.Борисов-Мусатов..., нет, не буду о его работах, представленных здесь, - они немногочисленны, не столь известны, да и поразило меня сегодня в нём другое, совсем несущественная, почти комичная, деталь - его отчество - ЭЛЬПИДИФОРОВИЧ, да, согласен, глупо, но, извините, не могу я сейчас что-либо писать о его пейзажных экспериментах.
Воздушно-белый, голубой и спутавшаяся паутинка серо-коричневых древесных стволов - три составляющие картины М.Ларионова "Акации весной". Не заставляет задумываться ни о чём, но умиротворяет до стадии полного расслабления вполне.
Столько написал, а до лета ещё не добрался. Итак, лето...
Много работ, много интересного, но силы на исходе! Конечно, лето - это Крымов, это Рылов со своим гениальным "Зелёным шумом", опять же Коровин, Левитан... У последнего, кстати, поражает удивительная способность "живописать" даже одним цветом! Как в "Луге на опушке леса". Преобладание зелёного налицо, но в отличие от Шишкина, это живопись, это цвет!
Возле "Сельского пейзажа" Архипова услышал реплику, которая меня почему-то ни сколько не разозлила, не смотря на свою полнейшую тупость, но, даже напротив, рассмешила, я едва сдержался. Некая дама, с лицом, выражающим чрезвычайную задумчивость, взглянула с близкого расстояния на эту весьма небольшую работу Архипова, и, неудовлетворившись увиденным, сказала своей спутнице, что, мол, такую картину нужно смотреть "издалека",... посмотрела, помолчала пару секунд, после чего изрекла: "А далеко отойти если, вообще не поймёшь, что нарисовано там.". :-)))
Из соцреалистов выделяется А.Пластов, дарование которого несомненно, но столь же несомненна и моя ничем не обоснованная антипатия к этому мастеру. Абсолютно непонятно, почему он ассоциируется у меня с РПЦ и русскими шовинистами.
Наконец, осень.
А.И.Куинджи, "Осенняя распутица" (1870) и Ф.А.Васильев, "Болото в лесу. Осень." (1872-73(?)). Больше работ называть не стану. Эти запомнились более всего, да и рассказать обо всём не получится: написав нн-ое количество строк, я всё-таки понял это :-) Невольно вспоминается судьба Ф.Васильева. Талантливейший художник, умер в возрасте всего лишь 23-х лет! Если не ошибаюсь, от туберкулёза. Дарование его огромно. Невозможно даже представить что бы он мог создать, проживи дольше. Но заканчивать на столь грустной ноте, не хочется, выставка оставляет после себя радостное впечатление. Хочется возвращаться сюда снова, и снова. Надеюсь, вы не упустите возможности побывать здесь.
Вторая выставка не менее значима - М.А.Врубель. Я был на ней сегодня уже во второй раз, и, признаться, думал, что после вторичного просмотра смогу написать о ней спокойно, без лишних эмоций. Однако, сейчас понимаю, что это не получится, поэтому не буду углубляться в собственные впечатления о конкретных работах. Мне трудно отделить одно произведение от другого, но осталось общее впечатление. И оно чрезвычайно сильное. Врубель подавляет масштабом своей личности, гениальностью своих работ, трагичностью своей жизни. Совмещением колоссальных подъёмов и упадка жизненных сил. Невероятной мощью духа, и душевными срывами, сопровождавшими его последние годы жизни. Желанием бороться, и быть, наконец, побеждённым. Врубель - это постоянное противоречие, в нём и заключена его гениальность. Наверно, это позволило ему раскрыть себя в столь широчайшем спектре: живописца, графика, театрального художника, скульптора, иллюстратора, декоратора... К выставке выпущен полный каталог работ Михаила Врубеля, хранящихся в Русском музее, не выдержал и купил. А вот три работы с официального сайта музея. Это капля в море, смотрите этого гения "вживую".
  
|
|
Comments: Read 9 or Add Your Own.
|
|
Wednesday, September 13th, 2006
|
|
|
На днях побывал, наконец, в Русском музее на Филонове. Ну, что сказать? - как и всегда экспозиция "с изюминкой" - чёрный бархат (или не бархат) стен, пола и потолка; произведения, появляющиеся словно из ниоткуда, похожие на светящиеся окна в кромешной тьме ночного мегаполиса; непрерывный звуковой ряд, представляющий переложение картин Филонова на язык музыки и звуков. Последнее, т.е. как раз таки "звучание" картин художника, на мой взгляд, излишне. Музыка и живопись - принципиально разные виды искусства, также как ухо и глаз - разные составные части человеческого организма, именно поэтому далеко не всегда один вид искусства можно перенести в другой. Сама идея весьма любопытна, но в итоге, после просмотра двух залов, голова плавно разламывается на две и более частей.
Среди многочисленных "Голов" и "Формул весны", пестрящих обилием красочных мазочков и чёрточек, плавно перетекающих в зримые (и не очень) образы, нехарактерной оранжевой цветовой гаммой выделяются картины: "Композиция", ок.1938, и "Лики", 1940. Вообще, человек почти всегда присутствует в работах Филонова.
Интересна графическая часть выставки. Из 160 экспонируемых работ, 75 - произведения графики. К неожиданным выводам можно придти, сопоставив две работы, выполненные в разных техниках - живописной и графической, с одинаковым названием "Люди".
Одним из открытий, которые я сам для себя сделал, было то, насколько сильные изменения претерпевала живопись Филонова на протяжении его жизни; любой художник проходит определённое развитие, меняется манера, сюжеты полотен, но мало у кого эти изменения выражены столь сильно, как у Павла Филонова. - его "Коровницы", "Перерождение интеллигента" и "Ломовые" (все 1910-х годов) кардинально отличаются от живописи художника середины 1920-х-1930-х гг. И тем не менее, Филонов всегда узнаваем, ну или почти всегда. "Неузнаваемого" Филонова я вам и покажу :-) А на выставку сходите, - хорошая выставка.
  
|
|
Comments: Read 7 or Add Your Own.
|
|
Sunday, August 20th, 2006
|
|
|
Честно говоря, настроения что либо писать пока так и не появилось, но... напишу, дабы все убедились в моём полном и совершенном здравии. :-)
В Эрмитаж, вот, ходил сегодня. Посмотрел классика американского абстрактного экспрессионизма, де Кунинга. Интересный художник.
Работы, представленные на выставке, не имеют названий, однако, в каждой есть некая вполне чёткая структура, сюжет, материальность. В них много света и радостного мировосприятия, их нельзя назвать глубоко философскими, затрагивающими глубинные проблемы мироздания, - нет, по своей сути картины Кунинга салонны, несмотря на абстрактность. Темы, угадывающиеся в "беспредметных" сочетаниях цветов, легко уловимы, просты и понятны. Часто в них присутствует эротизм. Композиция всегда сложна и при этом не теряется её чёткость. Контраст плавно перетекающих линий и резких штрихов не разбивает произведение, а ещё больше способствует цельности пространства. Фон всегда белый. Это воздух, - не прозрачный, но белый! Цвета яркие, светлые, чистые.
Все экспонируемые картины принадлежат к позднему периоду творчества мастера. Написанные в 1980-х годах, они раскрывают нам уже сложившегося, состоявшегося художника, ставшего классиком ещё при жизни. А прожил Виллем де Кунинг долгую жизнь (1904-1997). Этой выставкой Эрмитаж продолжает серию экспозиций, посвящённых творчеству великих художников современности.
   
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
|
День Победы - особый день,лишённый ложного пафоса, он всегда остаётся торжественным, но грустным Праздником. У каждого 9 мая ассоциируется с разным. Я в этот день всегда вспоминаю бабушку, безумно дорогого для меня, и, к сожалению, уже покойного, человека. Всю войну она прожила в Ленинграде, отказавшись эвакуироваться. Защищала город в составе войск местной противо-воздушной обороны (МПВО). Помню каждый её рассказ о войне, иногда листаю бабушкин блокадный дневник, который чудом сохранился у нас в семье. Для меня бабушка навсегда осталась уникальным и самым лучшим человеком, а День Победы для неё был главным Праздником. Важен он и для меня. Для нас. С Днём Великой Победы!
     
Выше - мой небольшой фотоотчёт о 9 мая 2006 года.
|
|
Comments: Read 3 or Add Your Own.
|
|
|
Около двух недель назад на родном истфаке Петербургского университета впервые увидел скромные афиши, в которых сообщалось о предстоящем "научном диспуте" по произведению Михаила Булгакова и одноимённому фильму Владимира Бортко "Мастер и Маргарита", с участием самого режиссёра, а также, Кирилла Лаврова, Олега Басилашвили и Александра Галибина - исполнителей главных ролей в нашумевшей экранизации. Между делом отмечу, что встречи такого уровня бывают у нас нечасто, поэтому, особо не задумываясь, было принято решение: на диспуте, который для научного оказался слишком уж "живым", быть! И вот, сегодня дискуссия состоялась.
Не смотря на то, что встреча была организована в самом большом помещении факультета - лектории истфака, далеко не всем удалось найти место, огромное количество публики ютилось в проходах и на лестнице, поэтому место автора этого обзора (в 5-м ряду в центре) можно смело назвать элитным. :-)
Первым, под громкие аплодисменты учащейся молодёжи, в зал вошёл Кирилл Юрьевич Лавров, приехавший на десять минут раньше запланированного начала в 18.30. Через незначительное время прибыли все участники встречи.
Вопросов было огромное количество, отвечали все долго, много и интересно. Затронули необыкновенное число самых разных тем, порой выходящих за рамки, как произведения, так и фильма "М&М". Многих, например, интересовало, почему Мастер говорит голосом Иешуа, а Афроний голосом Воланда? Оказывается, в первом случае, причина в раздвоении Мастера - мыслями, чувствами, душой... он перекликается с Иешуа, но поступает иначе. Что касается Афрония, то причину также следует искать в булгаковском тексте, в котором сказано, что Воланд сам присутствовал при разговоре Иешуа с Понтием Пилатом, и именно поэтому, голосом Воланда говорит Афроний. Кстати, ещё к вопросу мистики вообще и "мистики" голосов в частности: Владимир Владимирович Бортко говорил, конечно же, своим голосом, но столь схожим интонацией, тембром…, с голосом Никиты Михалкова, что это заметили все! Не знаю почему, но имя Владимир Владимирович успели употребить не только в отношении Бортко, но и, например, Маяковского...
Вообще, весь разговор о романе и фильме сводился к двум линиям - политико-исторической (московская жизнь 1930-х гг, репрессии...) и лирико-любовной, причём последняя была затронута в гораздо меньшей степени. Отдельной темой стало обсуждение самого фильма, организационных моментов, игры актёров, соответствие каждого из них роли и т.п. Разумеется, не обошли стороной религиозный аспект. И Кириллу Юрьевичу, и Олегу Валериановичу были заданы вопросы об их отношении к вере в Бога, - прямого ответа на этот вопрос они не дали, сказав примерно одно и то же, - что к религии относятся с уважением, но что верующими себя назвать не решаются.
Довольно сильно бросалась в глаза разница в манере поведения, ответов на вопросы, Лаврова и Басилашвили. Оба отвечали блестяще, но в репликах Кирилла Юрьевича не чувствовалось превосходства над аудиторией, и даже некоего пренебрежения, что явно проскальзывало в ответах Басилашвили. К тому же, Олег Валерианович, будучи превосходным актёром, но никак не историком, не стеснялся затрагивать сугубо исторические и далеко не однозначные вопросы политической истории нашей страны сталинского периода.
Естественно, не обошлось без сравнений фильма "Мастер и Маргарита" с работами других режиссёров над экранизацией этого произведения, и другими фильмами самого Владимира Бортко. Сравнивая "М&М" с "Идиотом", Владимир Владимирович, в частности отметил, что "Идиот" потребовал от него большей затраты душевных сил, тогда как "Мастер и Маргарита" - физических. На вопрос, заданный всем актёрам, об удовлетворённости собственной работой, лишь К.Ю.Лавров усомнился в безупречности созданного им образа Понтия Пилата (и А.Галибин, и О.Басилашвили выразили полное удовольствие от результатов работы над собственными ролями). Интересный вопрос был задан по поводу "массовости" фильма, - мол, кино "простое", "для всех"...; где элитарность пырьевских "Братьев Карамазовых"?... Бортко категорически не согласился с такой постановкой вопроса, сказав, что никак не мог "урезать сюжетные линии и сам фильм, ибо невозможно показать всё в двух-трёх часовом кино, а убрать "лишнее" нельзя, - в романе нет малозначимых линий, нет лишнего.".
Любопытно, что бюджет фильма не так уж велик - 5 млн. $, (для сравнения: бюджет "Гарри Поттера" - 150 млн. $), поэтому спецэффекты - тот же кот Бегемот, выполнены не на самом высоком уровне, однако, это не главное, - создатели фильма стремились показать не оболочку, а суть. Не всё удалось, но множество людей взяло в руки сам роман, сам текст М.А.Булгакова! Это уже результат!
Конечно, невозможно, более-менее полно рассказать здесь обо всём услышанном и увиденном, хотелось просто поделиться с вами радостью от живого общения с выдающимися людьми. Лично я, далёк от в восторга от экранизации "М&М", но после сегодняшнего разговора, многое стало гораздо понятнее, яснее, и, несомненно, увеличилось уважение к работе всех, кто создавал этот фильм. В заключение, приведу последний вопрос, который был адресован и озвучен Кириллом Юрьевичем Лавровым: "Уважаемый Кирилл Юрьевич! Через семь дней мне исполнится двадцать лет, а я всё ещё не познал любви. Скажите, а любовь есть?" - Восторг зала, ответ: "Милый человек, не познавший любви за семь дней до двадцатилетия, любовь есть! И у вас она обязательно будет!" :-)
Далее, несколько репортажных снимков, снятых мною с собственного места:
    
|
|
Comments: Read 4 or Add Your Own.
|
|
|
Второй раз в жизни посетил Румянцевский особняк, что на Английской набережной. Цель - посмотреть вышеназванную выставку. Результат - неудовлетворительный. Не понравилось! Произведений, представляющих художественную, а не только историческую ценность, очень мало, "подавляющее меньшинство"! Сама экспозиционная площадь организована безграмотно, непрофессионально: подсветка картин не выдерживает критики. Непонятен принцип компоновки работ: хронологическим его назвать никак нельзя, каким-либо другим - тоже. Хаос.
Сами работы, в большинстве своём, низкого уровня мастерства, авторство почти всех полотен неизвестно. Впечатление такое, что их писали провинциальные художники-самоучки. Особенно это касается XVIII века - изображённые настолько неестественно выглядят, смотрят на зрителя абсолютно отстранённым взглядом, колорит - очень скудный, элементарные понятия об анатомии человека отсутствуют. Впрочем, всё это вполне объяснимо: XVIII век - время становления русской академической школы, но никак не её расцвета. Имён живописцев, действительно достигших вершин мастерства в этот период, на ум приходит только три: Рокотов, Левицкий и Боровиковский.
В представленной экспозиции не увидел ни одного из трёх. Ещё одной неприятной особенностью является то, что очень многие работы - копии с оригиналов известных мастеров. Чем дальше в хронологическом отношении заходит выставка - тем выше уровень исполнения. Но в целом, всё скудно, скучно и неинтересно. Из более чем 200 работ, заинтересовали максимум 10-15-ть. И почти все они кисти известных мастеров, таких как Виже-Лебрен, Ге, Киплик...
Короче говоря, плохо, господа из музея истории Санкт-Петербурга, плохо! Где ваш профессионализм? Рекламы много, а смотреть-то особенно не на что. :-(
|
|
Comments: Add Your Own.
|
|
Wednesday, February 22nd, 2006
|
|
|
Недолго же я отсутствовал, вот и опять вернулся. :-) За последнюю неделю, как впрочем и всегда, произошло много интересного. Наконец-таки увидел собственными глазами, так называемый "агитационный фарфор", чрезвычайно интересное направление, зародившееся и существовавшее в Советской России в 1917-30-х гг. Проект представлен Эрмитажем совместно с ОАО "Императорский фарфоровый завод". Прежде, довольно много слышал о росписях на фарфоре первых годов советской власти, признаюсь, сразу же очень увлёкся этой темой, настолько своеобразными и привлекательными показались мне эти произведения. И неудивительно! Ведь над их созданием работали такие мастера, как С.Чехонин, К.Малевич, Н.Альтман, В.Лебедев, К.Петров-Водкин, Н.Суетин... Список можно продолжить.
Композиции Малевича, Суетина, Чашника занимают главенствующее место в экспозиции. Произведения других авторов как бы "обрамляют" супрематические искания.
Любопытно, что в 2004-2005 гг. выставка экспонировалась в лондонском Сомерсет Хаусе и совершенно восхитила британских зрителей.
      фото: http://www.hermitage.ru
Кроме того, вчера побывал здесь:  Могу сказать, что не разочаровался в том, что увидел, но с подзаголовком названия - персональные выставки лучших художников Петербурга, категорически не согласен. Невозможно вот так взять, и выделить десять лучших творцов, скорее, это наиболее известные имена из ныне здравствующих художников. Безусловно, никто из них не обделён талантом и способностями. Лично мне более всех понравились работы Заславского, в них много света, воздуха, работает не только цвет, но даже пространство, что не всегда свойственно живописи. Яркие, броские, почти кричащие тона не раздражают, а, напротив, притягивают взгляд. Мастерское владение кистью, совершенство техники только добавляют привлекательности произведениям Анатолия Заславского. Конечно, внимание привлекли работы и многих других художников, собственноручные снимки наиболее понравившихся и запомнившихся, представляю здесь:
            
Ещё одной особенностью этой недели стало большое количество деталей, сюжетов, эпизодов... В субботу, видел, как группа молодых людей бежала с весёлыми криками на лыжах по гранитному тротуару (!) Невского проспекта :-); сегодня, опять же на Невском, странный взрослый гражданин играл в мячик прямо посреди проезжей части, удачно маневрируя между автомобилями, и одновременно, рискуя попасть под какое-нибудь тяжёлое транспортное средство.
И последнее: уже давно меня самого переполняет желание выдать что-нибудь этакое - живописно-графическо-творческое, проще говоря, непреодолимое желание сотворить что-нибудь "высокохудожественное" самому, в голове масса идей, планов, сюжетов... А времени на реализацию почти нет. :-( Но, как верно отметил ещё Анри Матисс: "В простом умении видеть уже заключается работа художника". И всё-таки, найду время и выдам! :-)
|
|
Comments: Read 10 or Add Your Own.
|
|
Saturday, February 11th, 2006
|
|
|
На самом деле, конечно же, не всё и не сразу, расскажу лишь о трёх эпизодах последней недели.
Уже в N-ый раз был на "Коллаже" в Русском, а попытаться написать об этом решил вот только теперь. Я всё никак не мог разобраться (да и сейчас ещё далеко не всё ясно) что, как и почему. Ходил на эту выставку в разное время, с разным настроением, один и не один...В общем, пишу, что понял.
Итак, сам термин "коллаж" трактуется очень широко - это и декупаж (вырезание ножницами), и ассамбляж (внедрение в плоскость или пространство уже "готовых" предметов), и аппликация, то бишь - наклейки. Уже по одному перечислению этих разновидностей можно сказать, что коллаж - одна из самых демократичных техник; смешанных, приемлющих практически всё, как нельзя лучше передающих бешеный ритм современной жизни мегаполисов. Именно поэтому, коллаж, со свойственной ему мозаичностью восприятия современного окружающего мира, некоторой фрагментарностью, - явление XX века, с революциями, ростом городов, мировыми войнами, техническим прогрессом...
Данная выставка - не первая, представляющая отечественное изобразительно искусство прошедшего столетия, ей предшествовали другие: "Портрет в России. XX век.", "Абстракция в России. XX век.".
Всё выставочное пространство состоит из девяти условных разделов: помимо уже названных, "Ассамбляжа", "Декупажа" и "Аппликации", - это "Фактура", "Тряпочные картины", "Объект", "Подбор материала", "Фотомонтаж", "Компьютерный коллаж".
Основными художественными средствами коллажа являются формы и фактуры, огромную роль играет организация пространства и плоскости. Коллаж - как произведение искусства, выражает, своего рода, принцип художественного мышления, и одновременно с этим является пластическим приёмом отображения творческой задумки художника. Кроме того, коллаж привлекает многих иллюзией дилетантизма, что-то роднит его и с масс-медиа культурой.
Описывать конкретные работы не вижу смысла, настолько сложно передать словами технику исполнения. Назову лишь несколько имён: А.В.Куприн, Н.С.Гончарова, П.С.Галаджев, В.В.Лебедев, В.П.Кин, Е.А.Прейс, Б.В.Морковников... Очень интересна работа неизвестного художника, датированная началом 20-х годов: "Обнажённая натурщица".
Всё! - О коллаже продолжать больше не буду! Прочитал написанное, и удивился, как это-то смог написать: мысли путаются с чувствами - явный признак, что пока, тема не приняла у меня в голове окончательной формы, подождём, успокоимся. :-)
Ещё об одной выставке коротко:
В Мраморном 2-го февраля был вернисаж, открылась выставка О&А Флоренских - 
- довольно интересный итог работы над проектом в 2002-2005 гг. О&А Флоренские уже давно нашли свою нишу, в рамках которой успешно экспериментируют. В данном случае, своей целью они поставили средствами симулятивного художественного выражения реконструировать облик среднестатистического военного музея, в котором были бы представлены "трофеи" - знамёна, орудия, картины на батальные темы, трофейные фильмы... Получилось довольно забавно и любопытно. Причём, даже само название "Русский трофей" можно трактовать по-разному - это и трофей, добытый русскими, и трофей, захваченный у русских. Так что, зритель, пожалуй, играет здесь главную роль и очень многое зависит именно от нашего с вами восприятия, гораздо больше, чем на любой другой выставке.
И последнее, что хочу показать, дабы сходили и увидели это великолепие собственными глазами:
      
Снимал сам, при ярком солнечном свете и не менее "ярком" питерском морозе. :-) Впечатление произвело сильнейшее, несмотря на 40-минутное стояние в очереди и недешёвый билетик.
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
Tuesday, February 7th, 2006
|
|
|
Сегодня открыл для себя новый музей - Центральный музей связи имени А.С.Попова. Шёл туда вполне целенаправленно, посмотреть выставку "Мэйлартиссимо-2005", которую в итоге посмотрел. Однако, был приятно удивлён, и даже поражён, постоянной экспозицией, повествующей об истории развития различных средств связи: от обычной почты, до новейших компьютерных, цифровых технологий. Ещё не заходя в сам музей, представлял себе всё куда как менее привлекательно, был абсолютно уверен, что увижу очередную узко-профильную, и от того достаточно убогую, экспозицию, наподобие выставок многих музеев, организованных по отраслевому принципу. Да что там отраслевой принцип! - С ужасом вспоминаю четырёхгодичной давности посещение такого крупного музея, как Этнографический. Помниться, после того злополучного визита, был в таком шоке от увиденного, от запущенности всего и вся, что до сих пор сторонюсь этого прекрасного снаружи здания, и не захаживаю в него, при этом, возможно, сильно себя обедняя.
Знаете, Музей связи, пожалуй, первый музей нехудожественного профиля, который мне очень понравился, и в который, теперь ещё не раз, буду возвращаться. Здесь собрано наверное всё, что касается связи в самые разные эпохи, а некоторые экспонаты почти что заглядывают в будущее! Большинство всех этих технических приспособлений можно не просто потрогать руками, ощутить фактуру, почувствовав себя немножко ребёнком, но даже самолично испытать технику в действии, чем я тут же и воспользовался, изготовив две почтовые марки, и завершив этот процесс пробиванием на специальном устройстве перфорационных отверстий. Также, собственноручно поработал с массой других любопытнейших приспособлений! Можно попробовать позвонить из старинного телефонного аппарата и здесь же выйти в интернет уже с помощью новейшей техники! Вообще, в этом музее очень много что можно (гораздо меньше того, чего делать здесь нельзя :-)). Понимаю, что моя реакция на "можно потрогать и попробовать в действии" похожа на детскую, наивную, лишённую некоторой солидности восприятия. И отчасти это так, но в данном случае, не вижу в этом ничего дурного. Просто, действительно, там интересно всем! И детям, и взрослым, и профанам, и профессионалам! Да и сама экспозиция организована на высоком уровне, что тоже, согласитесь, немаловажно для правильного восприятия. Кстати, процесс расширения выставочной площади, дальнейшего развития экспозиции, продолжается, вероятно поэтому, в некоторых помещениях, несмотря на современные работающие радиаторы и новые окна, довольно прохладно, а в двух последних "залах" (здесь я беру в кавычки, т.к. эти "залы" ни что иное, как перекрытые стеклянным куполом, бывшие дворы-колодцы) можно комфортно себя чувствовать в такую погоду только в верхней одежде. К счастью, об этом заблаговременно предупреждают в гардеробе, через который и попадаешь в эти прохладные пространства.
Да, пару слов о "Мэйлартиссимо-2005": очень любопытный проект, представляющий новое течение в искусстве - мэйл-арт, т.е., когда обыкновенное почтовое послание само по себе становится произведением искусства, предметом художественного самовыражения автора. Собственно, данная выставка - вторая часть проекта, начавшегося в декабре, и связана она с именем главного мэйлартиста всех времён и народов - Владимира Котлярова-Толстого. Музей планирует и дальше продолжать коллекционирование высокохудожественных почтовых отправлений и впоследствии создать полномасштабный Центр Российского мэйл-арта в своих стенах. И дай-то Бог, чтобы это получилось. У меня всё! Спасибо. И так, что-то разогнался. :-)
А вот мой дилетантский "мэйл-арт", изготовленный в музее: 
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
Monday, February 6th, 2006
|
|
|
Последние несколько дней активно навёрстываю упущенное. Давно не припомню у себя столь насыщенного графика посещения множества выставок. Но, знаете, мне это доставляет неподдельное удовольствие, не перестаю удивляться сколько всего интересного у нас можно посмотреть, разглядеть, увидеть!
Сегодня, я, коренной петербуржец, впервые(!),- к страшному своему стыду и позору, посетил Строгановский дворец. Поводом к посещению стала, проходящая там в эти дни выставка: "Оригинальная графика XIX — начала XX века. Избранные произведения" (собрание Башкирского Государственного Художественного музея имени М.В.Нестерова). Графика как один из видов изобразительного искусства во многом интересна для меня даже больше, чем живопись. Этим и обусловлено, то, что пропустить такую выставку было бы для меня непростительной оплошностью. И вот, уже поднимаюсь на второй этаж дворца, чтобы сначала посмотреть анфиладу парадных залов. Первое, на что сразу обращаешь внимание, необыкновенный, почти домашний, уют, совсем не чувствуется "холодности" торжественного убранства интерьеров. Напротив, изысканность отделки залов создаёт атмосферу камерности, уюта, при этом сохраняя своё парадное назначение. Любопытно, что вся парадная анфилада отреставрирована в 2002-2005 гг.
Там же, "пробежал" небольшую выставку "Семейные реликвии и вклады рода Строгановых в русские храмы".
Наконец, после короткого обзорного осмотра дворца, попадаю на выставку графики, ради которой, я, собственно, здесь. Экспозиция разместилась всего в нескольких залах, представлено чуть больше ста работ, но каких! Недаром, в названии выставки присутствует подзаголовок - избранные произведения! Имена большинства художников очень хорошо известны. Графическая техника исполнения произведений различна: это и акварель, и сангина, и пастель; карандаш, уголь, тушь.
Открывает выставку, виртуозно исполненный в 1905 или 1906 году, портрет Е.С.Карзинкиной, работы В.А.Серова. Смелой линией, штрихом, замечательно выявляя контур, художник передал и характер, и настроение модели. Портрет выполнен на загрунтованном холсте углём и пастелью.
Несколько работ представляют творчество художников, работавших в начале XX века в Башкирии, - Ю.Ю.Блюменталя, Н.А.Протопопова, Л.Н.Петухова, К.С.Девлеткильдеева.
Особый интерес вызывают работы И.И.Левитана, выполненные в несвойственых для великого пейзажиста жанрах - это портрет Панафидина (картон, пастель) и натюрморт "Колеус", также исполненный пастелью. Последнее произведение очень понравилось, - цвета светятся, композиция выверена до мелочей. Несколько небольших акварельных пейзажей Левитана подкупают мелодичностью, лирикой ("Лунная ночь", "Березовая роща")...
Маленькая работа "Лисица зимой" (бумага, акварель) неизвестного автора - запомнилась и понравилась больше всего. Наивность и сентиментальность этой акварели не раздражают, а умиляют, хочется оказаться где-нибудь загородои, в старой русской деревне, пойти в поле, в лес, и увидеть такую сценку вживую!
Мастерским владением акварелью, привлекают произведения А.О.Орловского ("Всадник-башкир", 1823).
В непривычном для нас амплуа, представлен и И.К.Айвазовский, запечатлевший в своей работе 1861 года, "В Крыму"(бумага, сепия), жанровую сценку из жизни крымских татар.
Есть несколько интересных работ мирискуссников - "Сентиментальная прогулка" 1896 года, А.Н. Бенуа, "Пейзаж" Альберта Н.Бенуа.
Представлено одно, небольшого формата, но очень выразительное произведение Н.К.Рериха, "Пляска" (бумага, акварель, 1903).
М.В.Добужинский, с именем которого невольно ассоциируется образ Петербурга, показан "непитерским" карандашным листом "Улица", изображающим деревенскую улицу начала прошлого века. Очень порадовала великолепная книжная графика С.Чехонина 1918-1919 годов.
Выставка открылась совсем недавно, 2-го февраля, поэтому каждый, кто пожелает, может своими глазами увидеть всё то, о чём я рассказал.
   
|
|
Comments: Read 2 or Add Your Own.
|
|
Saturday, February 4th, 2006
|
|
|
- Другая выставка Русского музея, проходящая сейчас в корпусе Бенуа. Вообще, к Валентину Александровичу Серову отношусь очень трепетно, могу смело назвать его одним из своих самых любимых живописцев и графиков.
Дарование и талант этого художника поистине многогранны. Прежде всего, Серов - превосходный портретист, очень тонко чувствующий натуру, умеющий безошибочно уловить неповторимые нюансы настроения модели, отлично понимающий законы построения композиции; прекрасный живописец, всегда уделяющий огромное внимание цвету. Но особенностью данной выставки является как раз то, что основной акцент сделан на графику Серова (из живописных полотен мы видим лишь самые известные хрестоматийные его работы, такие как портреты З.Н.Юсуповой, О.К.Орловой...). На выставке экспонируются наброски, эскизы к большим полотнам, графические портреты и шаржи, иллюстрации к басням Крылова, театральные эскизы, наброски обнаженной натуры, рисунки животных...
Такой акцент на представление зрителю графического наследия Серова, на мой взгляд, вполне оправдан. Графика Валентина Александровича известна широкому кругу зрителей куда меньше его же живописи, а ценность этих проиведений, мастерство их исполнения и глубина замысла равноценны живописным полотнам мастера.
Шедеврами являются такие работы Серова, как "Купание лошади" (х.,м., 1905), "Зимой" (карт., пастель, гуашь, 1898), серия великолепных портретов.
Особенно интересно увидеть графические произведения художника в жанре анималистики (иллюстрации к басням И.А.Крылова и др.), исполненные преимущественно в технике офорта. Поражает, насколько глубоко В.Серов изучил анатомию каждого животного, манеру поведения, повадки... Во всём чувствуется рука большого мастера!
По традиции, в заключение, несколько фотографий, представленных в экспозиции произведений, взятых с официального сайта Русского музея: http://www.rusmuseum.ru
     
|
|
Comments: Add Your Own.
|
|
|
Сегодня удалось побывать в Михайловском замке на второй по счёту выставке, в рамках большого проекта Русского музея "Три века русского рисунка", посвящённой рисунку первой половины XIX века.
Указанный период - время расцвета русской рисовальной школы; эпоха, когда мастерство русских художников было признано в Европе, а отечественная академическая школа достигла пика своего развития. Жанровое разнообразие, богатство используемых материалов, техническое совершенство характеризуют отечественный рисунок того времени. Первая половина XIX века - время классицистических и романтических тенденций в русской культуре вообще, и в изобразительном искусстве в частности. Стилистические поиски русских художников наиболее отчётливо проявились в этот период именно в графике.
Разнообразие самих тем рисунков и акварелей очень велико - это и беглые наброски, шаржи, рисунки в альбомах; и тщательно проработанные жанровые композиции, представляющие самостоятельные законченные произведения.
В экспозиции представлены произведения таких выдающихся художников, как К.и А.Брюлловы, О.Кипренский, А. Иванов, А.Егоров, В.Шебуев, Ф.Толстой, Ф.Бруни, П.Федотов...
Выставка безусловно интересна, и, как всегда в Русском музее, великолепно организована.
   
|
|
Comments: Read 8 or Add Your Own.
|
|
Monday, January 30th, 2006
|
|
|
В предпоследний день работы выставки, представляющей творческие поиски и достижения питерских художников в прошедшем 2005 году, я всё же успел её посетить. И не жалею. Выставка интересна, показаны практически все направления изобразительного искусства, от реализма до авангарда. Столь же разнообразна и техника исполнения произведений: живопись, графика, скульптура, коллаж, фотография...
Отдельные разделы экспозиции демонстрируют жанровую (репортажную и постановочную) фотографию и изобразительное творчество известных рок-музыкантов, таких как Гребенщиков, Шнуров, Шклярский... Последний раздел особенно интересен не только искусствоведам и искушённым любителям, но и самой широкой зрительской аудитории.
В двух словах о впечатлениях. Сразу оговорюсь, что ни в коей мере не претендую на оценку того или иного произведения, - любое высказывание о творении художника всегда субъективно, ибо невозможно в работе оценивать только композицию, колорит, технику исполнения... А идея, чувство и мысль автора всегда, либо полностью, либо частично, скрыты от нас.
Каких-то новых "прорывов" в творческом процессе питерских художников за 2005 год не произошло, во всяком случае, экспозиция не представляет ничего принципиально нового. Однако, на мой взгляд, нельзя сказать, что год прошёл впустую - есть очень интересные работы, довольно много новых имён, налицо наличие потенциала для дальнейшего развития.
Из "любительских" произведений, отмечу очень неплохие работы С.Шнурова и Э.Шклярского (три последние фотографии).
Выставка закрылась 25-го января. Представляю краткий фото-отчёт, демонстрирующий некоторые понравившиеся работы.
                
|
|
Comments: Read 8 or Add Your Own.
|
|
Wednesday, January 11th, 2006
|
|
Thursday, December 22nd, 2005
|
|
|
Вслед за Москвой, Питер перехватил выставочную эстафету Уорхола. Сегодня добрался-таки до Мраморного, чтобы самому посмотреть что и как. Впечатление получилось смешанным. Если быть до конца откровенным, то я ожидал от выставки такой культовой и "раскрученной" личности, каким был Энди, большего.
Обширная экспозиция представляет творчество Энди Уорхола с 1950-х до 1980-х гг.. Объём выставочной площади - два этажа, или около 10-ти залов. Выставка разделена на три части: "Портреты", "Натюрморты", "Творческий путь". Также демонстрируются эксперименты Уорхола в кино - его "живые" портреты.
Переходя к сути. Живопись Уорхола агрессивна. Неестественно яркие, и совершенно невообразимые сочетания цветов отталкивают. Энергетика этих работ отрицательная, направленная на подавление живого восприятия изображения. Часто произведения гламурны (в худшем смысле), и выглядят как дешёвые, яркие картинки в глянцевых журналах.
Но, с другой стороны, - в этой гламурности, простоте, повседневности и заключается суть поп-арта. Сделать повседневное (какие-то продукты, банки из-под консервов, супов быстрого приготовления...), то, что окружает человека каждый день повсюду, искусством; попытка увидеть в обыденной рутине прекрасное.
Единственное живописное произведение, которое мне понравилось - это "Автопортрет" 1986 года (акриловые краски, тушь для шелкографии, холст). Избитое, но всегда беспроигрышное сочетание чёрного и красного, сильнейшая внутренняя экспрессия. Композиция, построенная на двух составляющих, - овале лица и вздыбленных волосах, создаёт эффект присутствия всех начал в одном единственном человеке. Взъерошенная растительность на голове невольно ассоциируется с прогибающимися, а иногда, сломанными шквальным ветром, деревьями.
Совсем иное впечатление осталось от графики Уорхола. Всё-таки, линия не менее, а порой и более выразительна, чем цвет. Великолепны мужские, женские и детские портреты, созданные в 50-60-е годы. Характер, настроение, эмоция... - всё это сразу угадывается в образах. Тушь, шариковая ручка, бумага разнообразных оттенков и фактуры (!) - нехитрые материалы, с помощью которых созданы прекрасные графические работы. "Обнимающаяся парочка" (ок. 1962) - одно из выдающихся произведений Энди Уорхола тех лет.
По традиции, завершаю повествование несколькими наглядными примерами работ Уорхола. Все они взяты с официального сайта Русского музея http://www.rusmuseum.ru
   
|
|
Comments: Read 5 or Add Your Own.
|
|
|
![[info]](http://l-stat.livejournal.com/img/userinfo.gif?v=92.1){kind=small}
art_klass's journal
